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Obituario / Jane Harvey

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La cantante en una portada de un disco. (Foto: Archivo)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 22 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- Jane Harvey, famosa cantante de jazz y colaboradora de figuras como Duke Ellington y Benny Goodman, ha fallecido hoy a los 88 años en su casa de Los Ángeles (EE.UU.) a causa del cáncer que padecía, según informaron diversos medios locales. Una entrega de EFE:

Su trayectoria profesional comenzó con apariciones ocasionales en el famoso club de Nueva York, propiedad de Barney Josephson. En 1946 se unió a la célebre Orquesta Desi Arnaz, liderada por el músico de origen cubano que le daba nombre, junto al que grabó A rainy night in Rio.

No fueron sus únicas grabaciones. Junto a la orquesta Goodman, dejaría para la posteridad temas como You Brought a New Kind of Love to Me, Close as Pages in a Book y Only Another Boy and Girl.

A finales de los años 50 se incorporó a la orquesta de Duke Ellington, a quien había acompañado en la década previa en cortes como A hundred dreams from now. En 1958 abandonó temporalmente su carrera para criar a su hijo, aunque se mantuvo activa hasta poco antes de su muerte con actuaciones locales.



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Obituario / Sid Bernstein

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El promotor junto a Paul McCartney. (Foto: Archivo)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 22 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- El promotor de música de rock estadounidense Sid Bernstein, quien trabajó con grandes figuras como Judy Garland y Jimi Hendrix, ha fallecido en Nueva York a la edad de 95 años, según informa la BBC.

Bernstein, primer promotor musical en organizar conciertos al aire libre, fue también la persona que llevó a la mítica banda los Beatles a Estados Unidos, abriendo con esto la conocida como «invasión británica». Fue él quien preparó el concierto del legendario grupo en el Carnegie Hall durante la primera gira que hicieron por Estados Unidos, y también estuvo detrás de un evento histórico: la actuación de los cuatro de Liverpool en el Shea Stadium en 1965. Bernstein contaba que tuvo que luchar por que la sala de conciertos neoyorquina y los patrocinadores apostaran por «ese entonces desconocido grupo», después de que se quedara fascinado con «la histeria que lo rodeaba».

El promotor, que hizo su propio debut musical a los 93 años con un álbum en el que cantaba sus temas favoritos, trabajó también con Frank Sinatra, Duke Ellington y Ray Charles, entre otros; dejó una enorme huella promoviendo la música británica en EE UU durante los años 60, y presentó a los Rolling Stones, además de a Los Beatles. Y la lista no se detiene ahí: Bernstein confió desde el principio en el éxito del grupo sueco ABBA y también colaboró con Tito Puente y Tony Bennet.

Bernstein pasó tiempo en Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial y continuó leyendo periódicos británicos tras su regreso a EE UU.



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Ciencia y Salud / España: ¿Qué son y cómo actúan las armas químicas?

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Uno de los supervivientes de un ataque dentro una mezquita de Damasco. ( Foto: Reuters)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 22 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- Las noticias e imágenes que llegan de Siria parecen indicar que se han utilizado armas químicas contra la población, al menos eso es lo que ha denunciado la oposición al régimen de Bashar Asad y lo que algunos expertos señalan tras ver vídeos de las víctimas. Aunque todavía hay muchos interrogantes sobre el tema, como quién ha sido el ideólogo del empleo de esta medida (no está claro si procede del Gobierno sirio o de la oposición) o el tipo de sustancia empleada, lo que sí parece incuestionable es la gravedad de lo ocurrido: centenares de muertes que, según las fuentes, superan el millar. Una nota de Ángeles López para El País:

Por los datos publicados y las imágenes recogidas por las cámaras que han grabado a las víctimas en los hospitales, parece que podrían haberse utilizado agentes nerviosos, una de las más letales sustancias químicas reconocidas por los expertos. Su mecanismo de acción consiste en bloquear una enzima necesaria para el funcionamiento del sistema nervioso. Si esta enzima, llamada acetilcolinesterasa, está bloqueada el sistema nervioso entiende que tiene que hiperestimular al tejido muscular y se produce una contracción muscular permanente, tanto en los músculos que controlan la respiración como en los cardiacos, lo que genera dificultad para respirar, sudoración, salivación excesiva, convulsiones y pérdida de visión. Finalmente, la persona suele morir por asfixia o paro cardiaco. Los efectos sólo tardan minutos en producirse si la sustancia se inhala, aunque si sólo se ha estado en contacto con la piel pueden tardar de dos a 18 horas en aparecer los problemas mencionados.

Entre las varias sustancias consideradas agentes nerviosos, una de ellas es el gas sarín, que fue utilizado en la guerra de Irán-Irak, en 1988 en la localidad de Halabja, donde miles de personas murieron por esta causa. «Algunos de los síntomas como boca y ojos abiertos y mirada fija [de las víctimas sirias], son muy similares a que los que se vieron en Halabja», explica a la BBC Bretton-Grond, un ex comandante de las Fuerzas británicas contra el terrorismo químico y biológico.

Sin embargo, algunos datos todavía son contradictorios. En primer lugar, para que sea efectivo -y producir miles de muertes- el gas sarín debe rociarse en forma de aerosol, a una distancia cercana. Por otro lado, los vídeos muestran que las personas que atendieron a las víctimas no muestran ningún problema, algo extraordinario ya que el gas sarín se queda impregnado en la ropa y puede ser tóxico para aquellos que entren en contacto con la sustancia.

Diferentes tiempos de actuación

Por otro lado, el gobierno sirio, podría tener otro tipo de armas químicas, como los agentes pulmonares o el cloro, que generan un daño generalizado del sistema respiratorio provocando la asfixia. Sus síntomas tardan un poco más en aparecer, entre dos y cuatro horas, y la muerte se produce en unas 24 horas. Siria es uno de los seis países que junto con Sudán del Sur, Angola, Somalia, Corea del Norte y Egipto, no firmaron la Convención de 1993 en la que se prohibía el uso de armas químicas, pero también su producción y almacenamiento.

Con los agentes asfixiantes o pulmonares, «no puedes respirar», afirma Amesh Adlja del Centro de Seguridad de la Salud en la Universidad de Pittsburgh en declaraciones al diario Washington Post. «Es el fin tras una alta dosis de cloro».

«La estructura química de los compuestos presentes en estas armas es muy sencilla y muestra con claridad que cualquier laboratorio, en cualquier país, nuclear o no, puede producirlos», afirma Natalia López Moratalla, catedrática de Bioquímica y Biología Molecular de la Universidad de Navarra.

Existen otros agentes que tienen efectos fatales si se utilizan contra el ser humano. En la Primera Guerra Mundial se dieron a conocer las sustancias vesicantes, dentro de las más conocidas está el gas mostaza. Su acción va dirigida a la piel y a las mucosas y a los ojos, ya que produce grandes quemaduras que dan lugar a ampollas y conjuntivitis. Estas sustancias pueden ser propagadas en formato líquido o gaseoso no tardando más de cuatro horas en aparecer sus efectos sobre los ojos y pulmones, aunque el daño sobre la piel puede retrasarse hasta 48 horas. También tiene efectos tardíos sobre la población y décadas después pueden surgir dificultad en la visión, cáncer y otros problemas.

Para Bretton-Grond, el escaso tiempo en que se ha producido la muerte de centenares de sirios apunta más «al empleo de un agente nervioso» que al uso de gas mostaza. Además, en las imágenes de las víctimas tampoco se han visto signos de quemaduras en la piel.

«En la mayoría de las ocasiones lo que se busca es paralizar la musculatura o impedir la respiración, como por ejemplo, los 'benzilatos', que son sólidos dispensados en forma de aerosol para ser inhalados y que son incapacitantes», señala López Moratalla. «Sus efectos incluyen pérdida de la visión y alteraciones mentales como pérdida de la memoria, desorientación y confusión que dura varios días», señala esta experta.

Poca información

Pero todavía faltan datos que aclaren qué ha ocurrido en los últimos días en Siria porque otro hecho que desconcierta a los expertos es cómo ninguna de las personas que ha estado ayudando a las víctimas sin ninguna protección, ni ropa ni mascarilla, ha tenido ninguna reacción. Tampoco se han visto que médicos u otros sanitarios estén aplicando algún tipo de antídoto, y además tampoco estos profesionales están desarrollando síntomas.

Tal y como explica José Luis García Fierro, especialista en química e investigador del Instituto de Catálisis y Petroquímica, perteneciente al Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), aunque los efectos más letales de agentes químicos como el gas sarín se producen tras la inhalación inmediata, cualquier persona que entre en contacto con los afectados del ataque debería tomar precauciones. «Es necesario tomar medidas preventivas, como el uso de guantes y mascarillas, si bien es cierto que los agentes más modernos han llegado a un nivel tan alto de sofisticación que son capaces de superar estas barreras», señala.

También es fundamental, añade, el lavado de la piel de los afectados -«el agua ayuda a contrarrestar los efectos tóxicos»-, retirar y desechar la ropa que llevaran puesta y no consumir los alimentos o bebidas que hayan podido estar expuestos a los vapores el gas.

Aunque existen antídotos útiles contra los ataques con gas sarín, por ejemplo compuestos nitrogenados como la atropina, que ayudan a reactivar la incapacitación que provoca el gas, García Fierro subraya que sólo son útiles si se utilizan poco tiempo después del ataque. «Transcurridas de dos a cuatro horas, el efecto es irreversible», remarca el especialista, quien lamenta que la química, «que tantos beneficios proporciona y que ha permitido muchos progresos», se utilice para fines como la guerra.

Por su parte, el profesor Alexander Kekule, del Instituto de Microbiología Médica de la Universidad Halle en Alemania, señala que los síntomas observados en los vídeos no son los típicos que se dan tras el empleo de armas químicas, ya que en los rostros de las víctimas no se ve sufrimiento o irritación de ojos. «Algunos, quizás todos los pacientes, son rápidamente descontaminados con agua o agua y detergentes. El agua es esparcida por el pecho, pero (al menos no se ve en el vídeo) no sobre la cara y los ojos», explica a la BBC.

De momento, son pocas las conclusiones que pueden extraerse de las imágenes y la información que llega desde Siria, el Consejo de Seguridad de la ONU ha pedido «una investigación minuciosa, imparcial y pronta» de las acusaciones que ha hecho la oposición al Gobierno sirio de haber empleado armas químicas que dicen haber matado a unas 1.300 personas. Esa será la principal misión de un equipo de la ONU que hace unos días aterrizó en el país para investigar precisamente el uso de armas químicas después de haberse realizado tres denuncias sobre este tema contra el régimen de Bashar Asad, aunque este ha acusado a la oposición como responsable de varios incidentes ocurridos entre abril y marzo.



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Noticias / Italia: Roma, contra el colosal atasco

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El Coliseo romano está a punto de ser restaurado y de liberarse del denso tráfico que lo rodea cada día.(Foto: Archivo)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 22 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- El nuevo alcalde la ciudad pretende peatonalizar la Via de los Foros Imperiales, que une el Coliseo con la Plaza de Venecia. La idea es un sueño de muchos arqueólogos y defensores del patrimonio artístico italiano pero choca con los intereses prácticos de los vecinos y comerciantes de la zona. Una nota de Alberto Ojeda para El Cultural:

Lo de ser cirujano marca carácter. Ignazio Marino, nuevo alcalde de Roma, lo es y quiere practicarle una intervención quirúrgica que -si lo consigue- erradicará del centro de la ciudad el avispero de coches, motocicletas, vespas... que zumba (y retumba) cada día sobre la ciudad eterna. De entrada, ya ha vetado la circulación (salvo para autobuses y taxis) por el anillo que rodea el Coliseo. Y la iniciativa siguiente es de una ambición urbanística homérica: devolver a los peatones la avenida de los foros imperiales, que va desde la Plaza de Venecia (vórtice infernal del tráfico romano) al anfiteatro Flavio.

«Creo que Roma necesitaba ya un aldabonazo. La ciudad lleva mucho tiempo dormida y toca despertar. Un shock le permitirá recobrar el pulso y desarrollar una larga y productiva vida». Así se explica el edil, con analogías que remiten a su vieja profesión de cirujano especializado en trasplantes, que ejerció hasta 2006 en los Estados Unidos, año en el que tras dos décadas allí volvió a su tierra y se lanzó a la arena política, en las filas del Partido Democrático. Desde entonces ha sido senador por esta coalición de centroizquierda. Pero este verano descabalgó al filofascista Gianni Alemano al frente del Capitolio, sede del ayuntamiento de Roma.

La intención de Marino coincide con el viejo sueño de muchos arqueólogos y amantes de la historia y cultura italian. La arteria apestada hoy día por el monóxido de carbono es una cicatriz que separa el Foro Imperial de los de Trajano, Augusto, César y Nerva. Cerrarla al tráfico permitiría unirlos de nuevo. El resultado sería una amplia zona paseable sin temor a ser embestido por los vehículos y con uno de los yacimientos arqueológicos más ricos e imponentes del mundo.

La Via dei Fori Imperiali fue abierta por Benito Mussolini, tras unos trabajos que prolongaron durante ocho años, entre 1924 y 1932, y que consistieron en derribar el enjambre de construcciones medievales que había hasta esa fecha. Il Duce quería disponer de una amplia avenida que desembocase en el Palacio de Venecia (ubicado en la plaza del mismo nombre), donde tenía su cuartel general, a fin de poder organizar desfiles militares con los que lucir su presunto poderío militar.

Al caer su régimen la vía poco a poco se fue llenando de un tráfico cada vez más denso, algo en lo que tuvo mucho que ver las políticas de subvención estatales a la Fiat y que ha dejado su huella en los monumentos. De los tubos de escape procede buena parte de la negrura de la piedra del Coliseo, joya del conjunto arquitectónico que por fin va a sentir la anhelada mano de los restauradores para devolverle brillos pretéritos. Las labores para remozarlo, financiadas por el empresario Diego della Valle, también comenzarán en breve, después de un sinuoso proceso de licitación pública (las compañías que perdieron el concurso lo recurrieron en los tribunales y esa circunstancia ha impedido el arranque de los trabajos).

Para los que no son romanos, el empeño de Marino resulta de entrada encomiable. Pero entre sus conciudadanos ha despertado muchos recelos. Atajar el tráfico en el centro, en su opinión, provocará agravar los embotellamientos en otras áreas de la capital. Y es que son decenas de miles los que recorren ese tramo a diario con sus coches y sus motos. Puede decirse que ese desfile caótico forma parte ya de la esencia identitaria de Roma. De ahí el divertido retrato que de él han hecho películas como Roma, homenaje de Fellini a su querida ciudad, o Guardias de Roma, protagonizada por uno de sus habitantes más populares, Alberto Sordi. Marino, al que algunos acusan de pretencioso y de nuevo emperador por querer dejar -a mayor gloria suya- una huella indeleble en la fisonomía de la urbe, se defiende: «Muchos querrán crucificarme al principio pero con el paso de los años se valorará el resultado. Y nadie se acordará de quién fue el responsable del nuevo paisaje urbano».

Especialmente resentidos andan los vecinos de los alrededores del Esquilino. Es curioso, porque en principio se librarían del ruido y de la contaminación. Pero caería sobre ellos sin embargo otra maldición: ¿qué diablos hacer con sus coches, dónde aparcarlos? Si ya de por sí es harto complicado encontrarles un hueco, las limitaciones de Marino convertirían este empeño en una misión imposible.

Luego están los comerciantes. Algunos creen que el cierre al tráfico asfixiaría directamente sus negocios, bastante castigados ya de por sí por la recesión económica. Es una paradoja que recuerda (a una escala mucho mayor, claro) a lo sucedido en la Cuesta de Moyano. En teoría, la peatonalización haría más agradable transitar el paseo, lo que redundaría en mayores ventas. Pues no ha sido así: desde el principio los libreros han denunciado el daño irreparable de la intervención en su entorno de trabajo.

Las complicaciones para acercarse al barrio con vehículos a motor pueden interrumpir definitivamente la cadena comercial y por ahí no pasa el pequeño comercio de la zona, que está que trina. «Si es necesario, levantaremos barricadas y cortaremos las calles», anuncia Luciana Gasparini, presidenta de la asociación vecinal Via Merulana per L'Esquilino. La amenaza queda en suspenso. Los romanos han huido por unos días de su bella pero incómoda ciudad. Es agosto y lo apropiado es solazarse a la orilla del mar. En septiembre veremos a qué temperatura sube la gresca.



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Artes Plásticas / Escocia: Exponen «Mechanics of Man» los dibujos de Da Vinci

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Los músculos del hombro. (Foto: Royal Collection Trust)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 22 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- Ya ha pasado casi medio siglo, pero Peter Abrahams recuerda el día que descubrió los estudios anatómicos de Leonardo da Vinci. Profesor de la Universidad de Warwick y eminencia en el campo de la anatomía clínica, Abrahams era entonces un joven estudiante en el Londres de la posguerra. «Observé el dibujo de un cráneo abierto en dos, en el que se observaban las capas de piel, los músculos faciales y la estructura ósea», rememora. «Ese fue el día que entendí cómo funcionaba la anatomía humana». La experiencia le marcó, hasta el punto que Abrahams sigue utilizando esas mismas láminas de trazo nervioso para enseñar los principios básicos de la anatomía a sus estudiantes. «Hace cuarenta años que recurro a ellas. Gracias a Leonardo, me consideran el maestro enrollado que consigue que la anatomía se vuelva interesante». Una nota de Álex Vicente para El País:

El profesor ha pasado los últimos cuatro meses orquestando la exposición The Mechanics of Man, (La mecánica del hombre), que hasta el 10 de noviembre permite observar de cerca los dibujos firmados por Da Vinci en el Palacio de Holyroodhouse de Edimburgo. La muestra exhibe treinta de los originales, que forman parte de un lote de 600 dibujos del artista que pertenece a la corona británica desde 1690. Hoy no queda anatomista que los desconozca, pero durante 300 años acumularon polvo en la biblioteca real. «Nadie los entendió porque eran demasiado avanzados para su tiempo», afirma Abrahams. Hasta que, en 1900, alguien decidió publicarlos como un compendio de anatomía y el mundo se dio cuenta de lo que se había perdido. «Ya era tarde para alterar el curso de la investigación anatómica, pero de haber sido publicados antes de su muerte habrían supuesto un auténtico giro en la medicina renacentista. Su lucidez sigue dejando boquiabierto incluso hoy», afirma Martin Clayton, conservador de la colección de la corona británica, especialista en la obra de Da Vinci y comisario de esta exposición.

Los dibujos ya habían sido expuestos en numerosas ocasiones. Sin ir más lejos, sucedió el año pasado en una concurrida exposición en el Palacio de Buckingham. La novedad es el sorprendente enfoque que se ha escogido para la ocasión. Clayton y Abrahams han tenido la ocurrencia de contraponer los dibujos de Da Vinci con modernos modelos anatómicos, con el objetivo de demostrar hasta qué punto el artista logró dar en el blanco. Escáneres, radiografías, resonancias magnéticas y modelos en 3D aparecen expuestos junto a los originales, revelando parecidos más que razonables. «Acertó prácticamente en todo. Tendrían que pasar 300 o 400 años para que el resto del mundo llegara a las mismas conclusiones. Los errores son mínimos y se deben considerar producto de un tiempo en el que no existía ni una sola guía anatómica», matiza Abrahams. Leonardo no tuvo más remedio que empezar desde cero. Para el anatomista, si los dibujos se hubieran dado a conocer en su momento, la ciencia se encontraría hoy «entre 50 y 70 años por delante». «La anatomía se habría puesto de moda, como lo están hoy los estudios genéticos. Todos los chicos listos de la época se habrían puesto a investigar el cuerpo humano. ¿Quién sabe lo que habría podido pasar?».

Todo empezó durante el invierno de 1507, cuando Leonardo da Vinci se sentó en el lecho mortal de un anciano «que decía tener 100 años» en el hospital de Santa Maria Nuova de Florencia. En plena conversación, el viejo se fue apagando hasta que falleció. «No había nada mal en su cuerpo, excepto la debilidad. Decidí diseccionarlo para entender la causa de una muerte tan dulce», escribió Leonardo. Observó un corazón «seco» y un hígado en el que describió, por primera vez en la historia, los síntomas de la cirrosis. Sería solo el primero de innumerables descubrimientos, como el primer dibujo de la espina dorsal, un esquema rompedor de las arterias y los vasos o incluso un dibujo pionero de un feto en el útero materno, que aparece expuesto junto a una maqueta 3D generada con ultrasonidos de un feto de quince semanas. La comparación con el dibujo de 1510 no desmerece en absoluto.

La experiencia del viejo despertó el gusto por la anatomía en el artista, que llevaba varias décadas experimentando con animales muertos. Entre 1507 y 1513, Da Vinci ya había abierto treinta cadáveres para examinar órganos y conductos, con la ayuda de un profesor de anatomía en la Universidad de Pavía, Marcantonio della Torre. «A diferencia de lo que se suele creer, la disección humana no estaba prohibida. Una bula papal lo autorizó expresamente a partir de 1482», precisa Clayton.

En su punto de mira se encontraban el corazón, los músculos y la estructura ósea. El primer objetivo del artista fue conocer mejor la anatomía humana para poder trasladarla de manera más fiel sobre el lienzo, obsesionado por una reproducción fidedigna del modelo imitado. «Leonardo veía la pintura como una actividad científica», añade el comisario. Sin embargo, acabó entendiendo la necesidad de firmar un tratado de anatomía que reflejara su investigación. «De hecho, él nunca se habría reconocido solo como artista. Sus estudios científicos fueron por lo menos igual de importantes que sus cuadros».

Pese a todos sus avances, Da Vinci nunca logró publicar su soñado tratado. «Se encontró con un problema. El 95% de su investigación era correcta. Solo le fallaba el corazón», explica Abrahams. Da Vinci no logró desmarcarse de las tesis de Galeno, médico del siglo II cuyas improbables teorías sobre los humores y la relación entre el físico y la psique se mantendrían vigentes durante 15 siglos, pese a que toda su investigación le obligara a adoptar un nuevo camino. Describió las válvulas cardiacas y las arterias coronarias a través de un modelo de cristal que daría por buenas las tesis del siglo XX, pero nunca logró entender cómo funcionaba la circulación de la sangre, pese a que tuviera la evidencia en sus manos, un siglo antes de su descubrimiento por William Harvey.

«Cada científico trabaja en un marco de posibilidades fijado por las creencias actuales y solo algunas veces es capaz de marcar un giro en el paradigma. Leonardo no fue capaz de llegar a este punto», afirma Clayton. «El problema es que los resultados no se ajustaban a lo que él creía ser cierto. Se desesperó hasta el punto de acabar abandonando». Para Abrahams, el artista y científico entendió perfectamente lo que sucedía en el corazón, «pero le debió de parecer complicado ir a contracorriente respecto a lo que todo el mundo había dado por bueno durante 1500 años» y tuvo miedo de «ser condenado por la Iglesia como un loco». Cuando Da Vinci falleció en 1519, se había convertido en uno de los hombres más célebres de la Europa del primer Renacimiento. En cambio, esos dos centenares largos de dibujos siguieron condenados al ostracismo durante siglos. En gran parte, por culpa del artista, que escribió las notas de acompañamiento con un código secreto difícilmente legible a primera vista. Para entender de qué iba el asunto se requería un espejo. No resulta extraño que su aprendiz, Francesco Melzi, a quien legó los papeles, no entendiera que aquellas incomprensibles notas a pie de página constituían el oráculo de la medicina del futuro.



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Fotoperiodismo / Dan Kitwood: «Timepiece»

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England 7/31/2013.- Artist Conrad Shawcross stands under an installation called Timepiece at The Roundhouse in London, . The large-scale light installation comprising of a giant clock will be on show for the month of August, 2013, where visitors will be asked to pay what they want for access to the exhibition. 


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Fotoperiodismo / Shizuo Kambayashi: «The Atomic Bomb Dome»

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Japan 08/05/2013.-The Atomic Bomb Dome is silhouetted at sunset in Hiroshima. Hiroshima marks the 68th anniversary of the world's first atomic bombing Tuesday


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Noticias / México: Arranca en Querétaro la Reunión Nacional de Instituciones Estatales de Cultura

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Participantes en el encuentro que se desarrolla en Juriquilla, Querétaro.  (Foto: Arturo López/ CNCA)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 22 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).-Escuchar y proponer son los principales lineamientos con los que el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CNCA) acomete la Reunión Nacional de Instituciones Estatales de Cultura, según reiteró este jueves el titular de ese organismo federal, Rafael Tovar y de Teresa, durante la inauguración del encuentro. Una nota de Ángel Vargas para La Jornada:

Ante titulares y representantes de todas las instituciones culturales del país, reunidos en un hotel de este municipio queretano, Tovar calificó de fundamental reconocer las transformaciones de la acción cultural y los nuevos retos sociales en los que, resaltó, la cultura puede y debe tener un papel importante.

«Tenemos la oportunidad de construir un plan de cultura a largo plazo y a rendimiento futuro, que considere y responda a las nuevas exigencias de la propia tarea cultural y de la sociedad de hoy,» agregó.

Tovar y de Teresa fue insistente en asegurar que los representantes de las diferentes instancias y áreas del CNCA asisten a esta reunión con la encomienda de escuchar y atender las iniciativas de los diversos encargados de cultura de país.

«Venimos a analizar con ustedes proyectos y propuestas concebidos para complementar el trabajo de los estados y para levantar, todos juntos, ese nuevo proyecto de cultura nacional que responda a las necesidades y retos que nuestro país tiene hoy,» recalcó.

«Generaremos, en un ambiente de cooperación y voluntad, las nuevas dinámicas culturales que servirán para que la vida cultural del país tenga rutas por las que desarrollarse y avanzar hacia el futuro.»

Por la corresponsabilidad

En representación del gobernador de Querétaro, José Eduardo Calzada Rovirosa, el titular de la Secretaría de Educación de la entidad, Fernando de la Isla Herrera, fue el encargado de inaugurar de manera oficial las actividades del encuentro, cuyas sesiones tienen lugar este jueves y viernes.

En su discurso, el funcionario local recordó que los objetivos de esta reunión son reflexionar, analizar y acordar políticas y acciones que incidan en el desarrollo cultural del país, desde una perspectiva de coparticipación y corresponsabilidad entre los diferentes órganos de gobierno.

Este año, dijo, las líneas principales de acción son: la reconstrucción del tejido social, una mayor vinculación de la educación con la cultura, México en el extranjero y la agenda digital.

Las palabras de bienvenida a los participantes, entre ellos los titulares de los institutos nacionales de Bellas Artes y de Antropología e Historia, María Cristina García Cepeda y Teresa Franco, de forma respectiva, estuvo a cargo de la titular del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes, Laura Gabriela Corvera Galván.

En la que representa su primera actividad pública de resonancia nacional, el presidente del CNCA definió a la reunión como un foro para las ideas y para la propuesta de acciones, en la cual se dará oportunidad de revisar y formular los proyectos culturales «que mejor y más profundamente» incidan en la vida de las comunidades.

«Este es, por ello, un espacio de trabajo estratégico: el escenario para reconocer y reconocernos en las tareas conjuntas. Esta reunión nos permite identificar los múltiples puntos de encuentro entre las acciones de cada estado, y propiciar intercambios y generación de redes de beneficio colectivo,» destacó Tovar y de Teresa, quien agradeció en particular la participación de la titular de la Coordinación de Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México, María Teresa Uriarte, y su equipo de trabajo.



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Fotografía / Entrevista a Rubén Pax

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Pina Bausch en el FIC. (Foto: Archivo)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 22 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- Entrar al estudio del fotógrafo mexicano Rubén Pax es ingresar al baúl de los recuerdos, donde decenas de jóvenes han sido formados en el Taller de Fotografía Libre que este hombre imparte desde hace 20 años. Una entrevista de Emiliano Balerini Casal para Milenio:

Al traspasar la puerta del lugar, un mundo se revela de manera casi automática: los cuartos oscuros, las cámaras análogas y estenopéicas —estas últimas sin lente, consisten en una caja con un pequeño orificio y un material fotosensible—, así como el papel fotográfico evocan ese legado que han dejado en el camino artistas como los hermanos Casasola, Héctor García y Nacho López, entre otros.

Profesor durante 35 años de la Escuela de Diseño y Artesanías, ubicada en lo que hoy es el Centro de la Imagen, fundador y refundador del diario La Jornada y de la Agencia Imagen Latina, respectivamente, Rubén Pax inauguró hoy en la Fototeca Nacional, de Pachuca, Hidalgo, la exposición Dualidades en blanco y negro, la cual se compone por 50 imágenes que muestran dos etapas de su vida: cuando se hacía llamar por su nombre de pila, Rubén Cárdenas Paz, y cuando decidió cambiarlo por el que emplea actualmente.

En entrevista con MILENIO cuenta que esas dualidades también responden a su descubrimiento por el blanco y negro, el cual lo asombró porque pudo ver la vida de otra manera: «Me sirvió para aprender que estamos rodeados de claroscuros, de dualidades, como la vida y la muerte, el ying y el yang, por ejemplo».

Rubén se define como un hombre solitario, porque no le gusta trabajar en grupos: «No me gusta tocar puertas, rendir tributo a nadie. No negocio con mi obra. He tenido amistad con Nacho López y Héctor García, pero no me agradan los círculos».

¿Qué se podrá ver en la exposición de la Fototeca Nacional?

Una muestra en la que se representan dos momentos de mi vida como fotógrafo: mis inicios, desde los setenta hasta 1983, que fue cuando ingresé a La Jornada, y cambié mi nombre de pila.

A partir de ahí inicié otra etapa como fotógrafo. Entre las imágenes que se podrán ver se encuentran el campo, las fiestas de los santos patronos y periodísticas.

¿Por qué cambió su nombre?

Fue por la necesidad de identificarme con una nueva forma de trabajar. Antes hacía fotografía documental, pero el oficio de periodismo lo aprendí en el periódico, por eso me puse un seudónimo.

¿Por qué le llama la atención dar clases a los jóvenes?

Así como la fotografía se vino a descubrir en mí, dar clases es un proceso de mi vida. De alguna manera es una entrada económica segura. Fotográficamente vendo muy poco, y por eso me he mantenido dando clases, tanto en la escuela de diseño como en los talleres que doy en el estudio.

¿Le emociona que tantas generaciones hayan pasado por sus clases?

Me emociona mucho dar clases. La gente que se inscribe a mis cursos llega con la idea de hacer fotografía, que es algo que me gusta. Me emociona también ver que los alumnos que han egresado de esos cursos siguen el camino que se habían propuesto. Es satisfactorio ver su trabajo, colaborar con ellos y encontrarse en este ámbito. Entre los alumnos que han tomado clases conmigo se encuentran Arturo García Campos, quien fue director del Museo de la Fotografía, y Marco Antonio Cruz.

¿Qué opina de las nuevas generaciones de fotógrafos mexicanos?

Hay muy buenos fotógrafos que han ganado premios internacionalmente. Hay fotógrafos que están trabajando en países que se encuentran en guerra y sus imágenes se han visto en el mundo. La fotografía en México es un proceso democrático y popular, que no solamente se puede ver en un museo, sino también la puedes reproducir para que la tenga mucha gente. Eso sí me gusta de la fotografía digital.

¿Por qué preservar el cuarto oscuro con tantos cambios tecnológicos?

El cuarto oscuro es como una vivienda donde habitas. Esa vivienda no la puedes cambiar por algo mejor. En este caso, es algo a lo que uno está acostumbrado, que añora y va ser un encantamiento por la forma como uno se expresa. Es un espacio personal donde uno se siente bien. Es un lugar muy íntimo. Esa intimidad no te la puede dar la fotografía digital.

¿Por qué es importante que los jóvenes conozcan el cuarto oscuro?

Cualquier experiencia humana debe fortalecerse con las tradiciones anteriores. Si no estás preparado para conocer los orígenes, no puede uno seguir adelante. Es como si no conocieras a tus abuelos y padres. Conocer el pasado te da una visión más amplia de lo que es la propia vida del país, del mundo, de la fotografía.



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Fotografía / México: Más de 350 fotografías del archivo personal de Frida y Diego serán restauradas

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El proyecto es financiado por el Bank of America Merrill Lynch, difunde diario británico.  (Foto: Archivo de la Casa Azul)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 23 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- Un conjunto de 369 fotografías que pertenecieron a la colección personal de Frida Kahlo y Diego Rivera serán restauradas en los próximos seis meses, dio a conocer el diario británico The Guardian. El proyecto es parte de un programa financiado por el Bank of America Merrill Lynch. Una nota de la redacción de La Jornada:

El rotativo inglés señaló que el Museo Frida Kahlo, ubicado en la casa de la pintora mexicana en Coyoacán, posee un acervo con más de 65 mil fotografías, muchas de ellas captadas por la propia pintora, mientras el resto forma parte de una vasta colección en la que se incluyen obras de fotógrafos, como Man Ray, Edward Weston, Henri Cartier-Bresson, además de Lola y Manuel Álvarez Bravo.

Las imágenes reflejan el estilo de vida bohemio de Frida y Diego durante la primera mitad del siglo XX, en la que mantuvieron relación con importantes intelectuales y artistas de la época, como el surrealista André Breton y el revolucionario ruso León Trotsky, de quien el pasado día 20 se cumplió su 73 aniversario luctuoso.

El Museo Frida Kahlo se negó a dar información sobre el proyecto de restauración. Sin embargo, The Guardian citó a la directora del recinto, Hilda Trujillo, quien manifestó al también británico The Art Newspaper que cada imagen es una pieza del gran rompecabezas de la compleja vida de la pintora. Nos es posible comprender muchos aspectos de la personalidad de Frida, su vida familiar, su relación con Diego y amigos, su visión política, social y sexual, su peculiar forma de vestir y arreglarse, su enfermedad y cirugías de espalda, su frustración por no poder tener hijos y su intensa vida social.

The Art Newspaper, periódico mensual especializado en arte con sede en Londres, publicó que las imágenes forman parte de la colección de la Casa Azul, habitada por Kahlo, que en 1958 fue convertida en museo. Las fotografías requieren distintos procesos de tratamiento, desde limpieza hasta urgente labor estructural. En una nota fechada el 5 de agosto se reveló que los trabajos comenzaron en junio y se tiene programado que culminen a finales de año.

El medio también reproduce declaraciones de Allen Blevins, director de arte global y programas de patrimonio del Banco de América. «Estas fotos, cuando sean restauradas, darán a los historiadores del arte una mirada no sólo al trabajo de estos dos importantes artistas, sino también a sus personalidades,» expresó.

La restauración de las fotos de Frida se incluye en una selección de 25 proyectos que recibirán fondos del Bank of America Merrill Lynch, como parte de un programa de conservación de arte. Desde 2010, la firma ha patrocinado más de 58 proyectos en 26 países.



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Noticias / Estados Unidos: Periodista sudanés Faisal Salih gana el premio Peter Mackler

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El premio es otorgado por realizar «un periodismo ético y valiente». (Foto: Archivo)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 22 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- Un periodista sudanés encarcelado por desafiar al régimen del presidente Omar al-Bashir, denunciando los abusos a los derechos humanos en su país, fue galardonado con el Peter Mackler Award 2013. Una entrega de AFP:

Faisal Salih, de 52 años, ganó el premio por Periodismo Ético y Valiente, anunció este jueves el Global Media Forum y la sección estadunidense de Reporteros Sin Fronteras.

Salih es un experimentado periodista y columnista de varias publicaciones en Sudán. También dirige programas en Teeba Press, una ONG que forma periodistas en el país.

Salih fue detenido durante varios días en 2012, luego de una entrevista a la cadena Al-Jazeera en la que criticó al régimen de Bashir. En 2011 fue uno de los periodistas investigados por hablar contra la supuesta violación de la joven activista Safia Ishag.

La quinta entrega del premio, estatuido en honor del fallecido periodista de la Agencia France Presse, Peter Mackler, será presentado en la ceremonia del Club Nacional de la Prensa, en Washington el 24 de octubre.



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Artes Plásticas / Entrevista a Ricardo el Mono Cohen «Rocambole»

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«Si hubiéramos tenido MuchMusic no nos hubieran dado ganas de hacer rock, nos hubiera desalentado ver todo lo que había.» (Foto: Pablo Piovano)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 23 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).-La calva le brilla por la luz vespertina de la ventana. Canoso a los costados, barba candado blanca y lentes de marco fino. En un rato hablará con Gari Facundo de Página/12 de la «polisemia» de la imagen, de la destreza epiléptica del sentido. En eso, hará imaginar que el que mira por la «cebolla de cristal» podría no ser él sino un colega suyo de igual identikit: Peter Blake, el pintor que armó el sepelio de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Que si fuera el inglés, podría estar mirando hacia las calles de Liverpool a ver si pasa George Harrison. Pero no. Aunque el que mira por la ventana no es menos popular, valgan la distancia, el colonialismo y el mercado. Es Ricardo Cohen. El Mono, como lo llamaron en la escuela “porque era peludo e iba de pantalones cortos”. Rocambole. Sí, el autor de todas las tapas de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Y mira hacia la vereda desde La Biela, el pituco café de la pituca Recoleta, a ver si de casualidad pasa Skay Beilinson. Es que «le gusta salir a correr» por esa zona, cuenta. Si levanta un poco la vista, puede ver al fondo el Centro Cultural Recoleta (CCR), donde exhibe Rocambole contra el arte contemporáneo. Si la baja, está el pebete de queso y tomate que sólo probará al finalizar la entrevista, cuando se diluyan las esperanzas de otear al guitarrista ricotero en ropas deportivas.

Catorce pinturas «grandes», viñetas del gran comic siniestro que sería su obra, componen esta muestra de título «provocativo». Para explicar por qué lo es, Rocambole repite la anécdota del origen de su seudónimo. «Es el nombre de un folletín francés de fines del siglo XIX. Mi padre tenía toda la colección y yo la había leído de chico. Mientras estudiaba en la Facultad de Bellas Artes y todavía quería dedicarme al arte de galería, me dije que debía separarlo de la historieta, el diseño y la publicidad.» El Mono estrenó el nombre del héroe de Ponson du Terrail en un comic de la revista Cerdos & Peces, circa ’80. «No sólo incluía la fonación ‘rock’, sino que era todo el nombre sonoro. Rocambole terminó haciéndose mucho más famoso que Cohen, así que la parte que quise aislar se morfó la otra. Más tarde comprendería que una separación entre artes cultas y populares es absurda, propia de la elite de fin de siglo pasado», ubica. Y ahora sí llega al rótulo de la exposición. «Los títulos de las aventuras de ese ladrón aventurero eran parecidos: Rocambole contra las Mujeres Arpías, por ejemplo. La anterior muestra, que hice en el Palais de Glace en 2002, se llamaba Rocambole en el Palacio de Hielo. Mis muestras siempre aluden al folletín.» Aunque la del CCR viene con «una puñalada inocente al propio medio».

¿En qué sentido?

El arte contemporáneo es una marca que se usa para performances e instalaciones, formas de arte en las que cualquier cosa puede ser posible y que tienen origen, hace casi cien años, en el mingitorio de Marcel Duchamp, que transformó un museo en un baño. En general, las circunstancias actuales del arte son de gran generosidad. Se democratizó. Ya no hay que vivir en la tiranía del saber pintar, no es necesario hacer cursos de curaduría. Cualquier experiencia puede tomarse como arte, incluso la vida misma. El fenómeno abre un gran camino. ¿Pero todo el arte contemporáneo es bueno? Allí empezamos a dudar. Veo muchas situaciones que no pasan de chascarrillos. Pocas veces veo dosis de profundidad. No quiere decir que nunca las encuentre: soy admirador de Daniel Fitte, un artista extraordinario de Olavarría. Tampoco digo que el arte «deba» tener profundidad, pero hay calidad, obras interesantísimas o espantosas.

Las de Rocambole son tan interesantes como descubrir que él no es un fantasma, un vampiro o un loco, la fantasía de un admirador que nunca hubiese visto la cara del autor y sólo tuviera el mito y los discos de los Redondos. Para ese hipotético feligrés de la PR coronada, el encuentro con el dibujante de carne y hueso produce una emoción agridulce, similar a la de descubrir que Papá Noel son los padres. Es la coalición entre la ficción y la realidad, el instante en que se confunden, y es parecida la sensación que ofrecen sus pinturas de vigilia y ensueño, de oscuras pesadillas a ojos abiertos. Un verbo oportuno para describirlas sería «gritar». Como extensión del universo ricotero –al que Rocambole está ligado como pocos creativos gráficos del rock a otros grupos–, observarlas es parte de la liturgia redonda. A las inéditas y a las ya conocidas. «Hay dos o tres cuadros que expongo siempre porque suponen una protesta instalada. Por ejemplo, Cómo no sentirme así, un ensayo sobre situaciones de agresión a los derechos humanos. Mientras no aparezca (Jorge Julio) López, ese cuadro estará presente», asegura. ¿Y esa cara de ahí, Feisbuc, es Charly García? «No, nada que ver. La polisemia del arte, como decía, hace que la gente vea varias situaciones.»

¿Entonces es un... homenaje a Zuckerberg?

No tengo cuenta de Facebook, pero hay varios «Rocambole» de chicos admiradores. Homenajes. He tenido que recurrir a ellos para armar un currículum porque tienen mis datos bien registrados. Con respecto a Internet, siento que hay un exceso de comunicación. Me escucho y pienso en los viejos tangueros que denostaban el rock, pero yo todavía estimo la privacidad, la presencia y cierto misterio. Cuando era chico, durante el primer gobierno peronista instalaron los teléfonos en La Plata. En ese tiempo, teléfono tenían el médico y el almacenero del barrio. Algunas chicas también, y uno las llamaba desde algún público o de la Unión Telefónica, donde estaban los conmutadores. La vida transcurría perfectamente. No había la celeridad actual ni la misma cantidad de habitantes, pero se podía sobrevivir sin estar «conectado». Ahora, con las tecnologías, los sistemas de vigilancia sobre el ser humano se afinaron, atrapándonos absolutamente en redes que saben todo de nosotros. Eso me incomoda. No es algo que no pensáramos que en algún lugar de Silicon Valley están todos nuestros correos electrónicos.

Dicho así, suena a paranoia conspirativa.

Teníamos la paranoia antes. La confirma este agente de la CIA, Snowden.

Rocambole nació en Parque Patricios, pero La Plata –donde vive desde niño– es su centro de acción. Como otro sitio importante en su geografía menciona a Brasil, destino por dos años cuando se produjo en la Argentina el último golpe de Estado. Pero se anota entre las personas que creen que la Ciudad de las Diagonales es el mismísimo centro del universo. Le aflora la pasión al enumerar leyendas de sus pagos: que La Plata estaría basada en un diseño que Julio Verne volcó en 1879 en la novela Los quinientos millones de la Begum; que el plano se habría presentado en la Exposición Universal de París de 1900, donde el propio Verne habría premiado a Dardo Rocha; que los Benoit de Berisso serían herederos de Luis XVI; que la ciudad tendría ADN masón y que por eso estaría poblada de símbolos: «La calle 13 es la que divide la ciudad, si sumás los números de cada esquina te da 666 y uniendo con líneas los poderes públicos en un mapa se forma una cruz invertida».

¿Cómo conseguía ese tipo de data antes de Internet?

Había que tener voluntad. No era fácil y por ahí no llegaba todo. En ese momento, uno mismo se dirigía hacia determinadas cuestiones. Durante los primeros pasos del rock nacional no teníamos mucha información de lo que ocurría en Londres o en San Francisco. Eso ayudó a la búsqueda propia.

Recientemente, en uno de esos perfiles de Facebook, se reseñaba que usted fue uno de los ideólogos y miembros de la comunidad artística La Cofradía de la Flor Solar, precursora del hippismo, incluso anterior al Mayo Francés. ¿En esa experiencia también influyó «no saber»?

Claro, si hubiéramos tenido MuchMusic no nos hubieran dado ganas de hacer rock, nos hubiera desalentado ver todo lo que había. En cambio, teníamos pocos indicios. Hubo que inventarlo a nuestro modo. Gran parte del rock nacional se debe a la escasez de información. Ni sabíamos lo que era un hippie. Un día vino uno con una revista y dijo: «¿Saben qué somos? ¡Hippies!».

¿Y qué creían que eran, cómo se denominaban?

Iracundos. O beatniks. Algunos nos decían simplemente sucios.

Por su particular mirada de La Plata, la charla vira entonces hacia un cuento de Juan Sasturain, Campitos, en el que un agrónomo determina las cualidades futbolísticas de un jugador basándose en las características del suelo. ¿Podría trazarse una organicidad similar entre ciudades y artistas? Rocambole baraja teorías. «Dicen que las diagonales de La Plata producen cierta unión. Muchos críticos de rock se han preguntado qué agua beben allí que salen tantas bandas buenas. Hay mucha influencia de la universidad: el encuentro de jóvenes de distintas latitudes hace de caldo de cultivo.»

Cuando Cohen era joven, se anotó en Bellas Artes «para aprender el vocabulario», porque pintaba «hacía rato». «Todos aprendemos tres cosas a los dos años: a hablar, a caminar y a dibujar. Si hablar y caminar son tan importantes, ¿por qué dibujar no? En mi caso, el dibujo es un poder de abstracción para entender el mundo», explica. Fue parte, entonces, de esa sopa «provinciana» entre los ’60 y los ’70, cuya mosca fueron las dictaduras. Más tarde, su galería serían las bateas de las disquerías, las paredes cercanas a los antros de shows del Indio Solari, Beilinson y compañía, y los propios escenarios en los que tocarían. Se volvería un artista... «En realidad, tomo distancia de la palabra ‘artista’», zanja. «Me siento un realizador. Si se supone que el hombre naturalmente es un ser artista, probablemente casi todo lo que hago es arte. También leo a mucha gente que se llama a sí misma artista y no quiero ser como ellos.»

¿Rastrea en su vida el hito que encauzó su búsqueda lejos del «arte oficial»?

La culpa fue de una película que vi en el cine a los trece, catorce años: Semilla de maldad, con Glenn Ford. Fui a verla porque mis compañeros de colegio decían que en los créditos pasaban una música que te hacía golpear el piso con los pies. Por primera vez escuché un rock’n’roll. La canción era Bailando el rock, tocada por Bill Haley. Incluso recuerdo la primera vez que vi escrito «rock’n’roll». Fue en un diario de La Plata de esa semana, en una carta de un lector que protestaba por lo terrible que estaba la juventud. Decía que ya no se podía ir ni al cine porque los jóvenes hacían ruido con los pies.

Actualmente, en Bellas Artes, está del otro lado del mostrador: es prosecretario de Arte y Cultura, docente y un gestor cultural que les abre la cancha a los pibes, sobre todo a los que hacen arte callejero. «Soy un profesor como cualquier otro», se describe. «Vengo de una época en la que los grandes maestros se guardaban los secretos, en la que averiguar algo era trabajoso. Trato de dar lo mejor posible los datos para elaborar alguna cuestión relativa a la imagen.»

Una de ellas en las que se ha pronunciado críticamente –en sentido negativo– tiene que ver con la mercantilización del arte. Rocambole contra el arte contemporáneo se exhibe en el CCR, dependiente de un gobierno porteño que muchos artistas han reprendido en ese sentido. ¿Cuál es su postura al respecto?

Voy adonde me invitan con buena onda. No hago distinciones políticas. Si me invitase un gobierno dictatorial, con las manos manchadas de sangre, no iría. Supongo que tampoco estaría en el país o que sería parte de esa sangre. He estado en casi todas las provincias y me han invitado desde instituciones que dependen del orden gubernamental, pero no hay un caso que no haya sido dentro del sistema democrático. Mi vida, medida con un metro, tiene sólo diez centímetros de democracia. Para mí sigue siendo novedosa. Por eso la respeto. A veces no concuerdo con la ideología del que me invita, pero eso es algo independiente. Si alguien no me invita porque me considera de la otra vereda, lo acepto. Si me invita a pesar de que esté en la otra vereda, también.



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Ciencia y Salud / México: Motor Stirling para zonas rurales marginadas

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Este motor está diseñado para generar un kilowatt. (Foto: Cortesía UNAM)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 23 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- A principios del siglo XIX, el escocés Robert Stirling puso manos a la obra para construir un motor que fuera menos peligroso que la máquina de vapor y que pudiera bombear agua. Una nota de Roberto Gutiérrez Alcalá para El Universal:

Fue así como en 1816 surgió el llamado motor Stirling, el cual puede ser definido como una máquina térmica que funciona a partir de la operación de un gas (helio, hidrógeno, nitrógeno o aire) reversible, es decir, que se expande (calienta) y se contrae (enfría) de manera alternada.

Luego de un largo periodo en el que permaneció en el olvido, este motor se está utilizando hoy en día en grandes plantas de España y Estados Unidos para generar megawatts de energía eléctrica a través de concentradores solares.

En la UNAM, bajo la coordinación del maestro Antonio Zepeda Sánchez, del Centro de Diseño Mecánico e Innovación Tecnológica de la Facultad de Ingeniería, Francisco Javier Rosales Villanueva, alumno de la carrera de Ingeniería Mecánica, trabaja desde hace un año, aproximadamente, en el diseño y construcción de un motor Stirling tipo alfa como su tesis de licenciatura.

«Hay varios tipos de motor Stirling. En este caso estamos construyendo uno tipo alfa porque nos permite operarlo con un gas a presión –helio, hidrógeno o aire– y así incrementar su eficiencia», explica Zepeda Sánchez.

A diferencia de los motores Stirling empleados en las grandes plantas de España y Estados Unidos, este motor está diseñado para generar sólo un kilowatt, y la idea es usarlo en la generación, a un bajo costo, de la energía eléctrica requerida para la iluminación de casas ubicadas en zonas rurales marginadas.

«A nosotros lo que nos interesa es abrir un nicho de mercado más social; para ello habría que crear una empresa por medio de la cual pudiera venderse este motor a un precio accesible», apunta Zepeda Sánchez.

En la actualidad, los universitarios están afinando los últimos detalles para ensamblar el primer prototipo y realizarle diferentes pruebas.

«Por ejemplo, en una parte muy importante del motor, conocida como el regenerador, vamos a probar distintos materiales que no disipen tanto el calor, pues debemos aprovechar el máximo de energía dentro del sistema», comenta Rosales Villanueva.

El primer prototipo les permitirá a los universitarios obtener información esencial del motor Stirling tipo alfa: qué eficiencia tiene, cómo opera, qué cosas pueden fallar en algún momento, etcétera; evaluar cuestiones relacionadas con su vida útil; y llevar a cabo las mejoras pertinentes en un segundo prototipo.

«Y para probar estas mejoras y verificar que los errores se hayan corregido, tendremos que construir un tercer prototipo. Y si surge alguna otra cosa que se pudiera mejorar, podríamos construir otro más. Es un proceso largo en el que puede haber hasta cinco etapas de prototipos antes de llegar al beta, es decir, el que nos va a llevar al producto final. Esperamos terminar todo el proceso el siguiente año», indica Zepeda Sánchez.

Un punto fundamental del proyecto es la forma en que se va a alcanzar la temperatura necesaria para que este motor genere un kilowatt. Los universitarios esperan concentrar la energía de una temperatura de unos 500 grados Celsius.

«Ésa es la que esperamos que nos brinde la operación del motor. Sin ese incremento de temperatura, no podríamos hacerlo operar», señala Rosales Villanueva.

La intención de los universitarios es, una vez generada la energía eléctrica, almacenarla para que pueda ser utilizada en, como ya se dijo, la iluminación de casas ubicadas en zonas rurales marginadas.

«Este motor Stirling tipo alfa nos está proporcionando información y experiencia para que en un futuro no muy lejano veamos la posibilidad de escalarlo... Proyectos como éste persiguen dos objetivos: que vayamos aprendiendo etapa por etapa, hasta que dominemos el conocimiento y entonces seamos capaces de producir más energía; y que nuestros alumnos, además de adquirir conocimientos y experiencia, tengan la oportunidad de crear empresas, de ser emprendedores, y no nada más salgan al mundo laboral a emplearse», finaliza Zepeda Sánchez.

En este proyecto colabora también, en lo relacionado con la asesoría en procesos y métodos de manufactura, y con la capacitación en el uso de equipos, el maestro Jesús Trenado Soto.



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Noticias / México: Instan a que toda acción cultural tenga sentido social

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El titular del Sistema Nacional de Fomento Musical del CNCA decidió suspender las actuaciones que la sinfónica, infantil y juvenil (en imagen de archivo) ofrecería en Zamora y Nurio, Michoacán. (Foto: María Meléndrez Parada)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 26 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- Hacer de la cultura un instrumento de regeneración y transformación social en México es posible. Sin embargo, para que no se quede sólo en retórica oficial, es necesario dotarla de contenido. Una nota de Ángel Vargas para La Jornada

En ello coincidieron algunos de los participantes en la Reunión Nacional de Instituciones Estatales de Cultura, que concluyó la noche del viernes en Querétaro.

Uno de ellos es el secretario de Cultura del estado de Michoacán, Marco Antonio Aguilar Cruz, quien asegura que reconstruir el tejido social no significa ponerle merthiolate, algún otro antiséptico o limón.

«Consiste en acercarse a la gente, no tenerle miedo, llevarle actos y decirle por qué se está allí; escuchar sus problemas de seguridad, políticos y económicos y saberla aconsejar,» explica en entrevista.

«El verdadero problema es tener a la gente sin empleo, sin educación, pero sobre todo sin cultura. El verdadero problema es también no darle buenas formas de organización en las que nadie le robe su plusvalía, para que exista una adecuada distribución de la riqueza en este país.»

A esa visión se suma el titular del Instituto Chihuahuense de la Cultura, Fermín Gutiérrez Galindo, quien considera que ante las circunstancias de inseguridad y violencia que privan en el país, la cultura tiene que ser tomada como un rubro vital, algo más allá de las cuestión estética y de reflexiones filosóficas.

«Debe ser vista, más bien, como materia de control ciudadano para que se pueda convivir en los espacios públicos. Debe haber participación con sentido social, de rencuentro entre los ciudadanos. Las artes, la cultura, la educación, tienen que ser el punto de equilibrio o donde tenemos que converger,» señala el arquitecto de profesión, también en entrevista.

«La parte vital es que todo lo que se haga con relación a la cultura debe tener sentido social, de apropiarse de los espacios públicos, de que las familias se rencuentren, que la gente tenga acceso a la información; que a través de la lectura y de otros proyectos culturales y artísticos todo mundo tenga acceso a una forma de bienestar.»

De acuerdo con Marco Antonio Aguilar Cruz, quien es licenciado en derecho, resulta inadmisible que, por temor, autoridades y población generemos espacios y por esa misma razón se fortalezca y amplíe el dominio de la delincuencia.

«Muchas veces, las autoridades magnificamos las cosas y decimos que si no hay seguridad entonces nos vamos, y con ello lo único que propiciamos es generar los vacíos que llenan quienes se dedica a extorsionar, a secuestrar, a hacer el mal, cuando lo mejor es hacerles frente.»

En ese sentido, lamenta la decisión del titular del Sistema Nacional de Fomento Musical del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Eduardo García Barrios, quien hace unas semanas decidió suspender las actuaciones que la Orquesta Sinfónica Infantil y Juvenil de México (OSIJM) ofrecería en Zamora y Nurio, Michoacán.

«Tenemos problemas, es cierto, problemas de violencia, también. Pero los medios masivos de comunicación, por la manera de presentarlos, los magnifican,» señala.

«A veces, la gente no va a Michoacán porque piensa que está como Irán o Irak, y si uno recorre sus calles, confirmará que eso es falso. Es innegable que sí hay zonas con dificultades, y precisamente es allí a donde debemos llevar más cultura.»

Menciona que una ocasión acudió con una filarmónica juvenil a Tepalcatepec, municipio ubicado en la región michoacana de Tierra Caliente, donde fueron recibidos por dos camionetas con hombres armados, «pero los saludamos, nos dejaron pasar y anduvieron con nosotros todo el tiempo. Se realizó el concierto, entregamos libros y no pasó nada.»

A decir del titular de Cultura de esa entidad, no solamente deben ser los soldados, los marinos, las fuerzas armadas del país los que entren a un lugar peligroso para tratar de recobrar el orden. «Debe entrar también la industria, el comercio, la cultura, todos los fenómenos sociales, si queremos realmente enderezar el barco.»

Si bien Chihuahua se ha significado como uno de los protagonistas del clima de inseguridad y violencia que sufre el país, ésa es una condición que poco a poco ha comenzado a revertirse, según el titular de su instituto estatal de Cultura.

«Se ha hecho un trabajo en varias direcciones. Las principales son la educación, la cultura y las acciones estratégicas con la policía y demás grupos de seguridad,» destaca Fermín Gutiérrez.

«Eso le ha costado mucho al gobierno, pero también ha sido una de las mejores estrategias para impedir que los jóvenes sean tomados de manera sorpresiva por otro tipo de actividades que no son las convenientes.»



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Obituario / Ricardo Elizondo

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Su obra es un retrato de la vida en el área fronteriza y se compone de novelas, relatos, dramaturgia y biografías.(Foto: Archivo)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 26 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- El escritor mexicano Ricardo Elizondo Elizondo (1950,2013), quien relató en sus escritos la vida del noreste mexicano y la frontera con Estados Unidos, murió el pasado sábado a los 63 años, informó el Fondo de Cultura Económica. Una entrega de DPA:

Elizondo era de Monterrey, Nuevo León, estado fronterizo con Estados Unidos.

Su obra es un retrato de la vida en esta área limítrofe y se compone de novelas, relatos, dramaturgia y biografías.

El autor fue director del Archivo General del Estado de Nuevo León y de la Biblioteca Cervantina del Tecnológico de Monterrey, donde dictó clases. Entre sus libros destacan Relatos de mar, desierto y muerte, que recibió el Premio Nacional de Cuento en 1980; Setenta veces siete, con la que ganó el Premio Colima del Instituto Nacional de Bellas Artes en 1987, Ocurrencias de Don Quijote y Geografía de Nuevo León.

Con el Fondo de Cultura Económica publicó Lexicón del noreste de México en 1996, un diccionario que recoge las palabras que forman parte del habla coloquial de los habitantes esta región de México, y Narcedalia Piedrotas en 2002, novela sobre el desierto donde confluyen personajes excéntricos, místicos y emigrantes en un viaje por los confines de la patria y del lenguaje.



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Artes Plásticas / México: Revaloran la obra de la pintora Fanny Rabel

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La pintora. (Foto: Archivo)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 26 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- La obra de la pintora Fanny Rabel (1922-2008), alumna de Diego Rivera y Frida Kahlo, es objeto de un rescate historiográfico en el contexto de los festejos por el 60 aniversario del Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana (Uia). Una nota de Merry MacMasters para La Jornada:

Aparte de Para participar en lo justo: recuperando la obra de Fanny Rabel, exposición en la Galería Andrea Pozzo de la Uia, se convocó al concurso de ensayo Recuperando el archivo de Fanny Rabel, cuyo plazo de participación cierra el 15 de septiembre.

La muestra tiene como propósito estimular el debate sobre la artista y su obra a partir del material rescatado de su archivo; consta de alrededor de 90 pinturas de caballete, grabados, bocetos de pintura mural, fotografías, carteles, documentos personales, como libros y escritos, así como videos documentales.

Rabel, de diminuta figura y conocida por su cabellera pelirroja, nació en el seno de una familia de actores judío-polacos que debieron emigrar de Europa para escapar del horror de la persecución religiosa y de la guerra.

Llegados a México en 1938, la joven Fanny entró a la Escuela Nocturna para Trabajadores, donde tomó clases de dibujo y grabado. En 1940 participó en el mural Retrato de la burguesía, proyecto dirigido por David Alfaro Siqueiros, para el edificio del Sindicato Mexicano de Electricistas en la calle de Alfonso Caso.

Al entrar a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, tomó clases con José Chávez Morado, Feliciano Peña y Frida Kahlo, con quien entabló una relación cercana. Incluso, Rabel fue la única mujer integrante del grupo de Los Fridos, que estudiaron con Kahlo en la Casa Azul. Para la primera exposición individual de Rabel, celebrada en 1945 en la Liga Popular Israelita, la esposa de Rivera le escribió «una afectuosa y comprensiva presentación,» consignó la crítica de arte Raquel Tibol.

Rabel se desempeñó como asistente de Rivera en los frescos de Palacio Nacional. Su mural Ronda en el tiempo ocupa un espacio destacado en la sección escolar del Museo de Antropología e Historia.

Los cambios estilísticos –del realismo social, al surrealismo y al neo-expresionismo– experimentados por la obra de Rabel, dejan entrever la creatividad y el afán de actualidad que la animaba, y testimonian lo genuino y profundo de sus convicciones de justicia social.

Para participar en lo justo... fue curada por Dina Comisarenco, Ana Torres y Karen Cordero. La muestra cuenta con actividades diversas, como teatro, coloquios, talleres de grabado para niños, jóvenes y adultos, en colaboración con el Museo Soumaya Plaza Carso, institución que pone a disposición del público un transporte que los sábados a las 11 horas los llevará a la Uia, con regreso a las 13 horas. La muestra permanecerá hasta el 11 de octubre.




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Literatura / Entrevista a Ondjaki

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Ondjaki nació en Angola, a los 16 años rumbeó hacia Lisboa y hace más de cuatro años que vive en Brasil. (Foto: Joaquín Salguero )

Ciudad Juárez, Chihuahua. 26 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- El autor de El silbador señala que, para ser literariamente verosímil, debe «reducir un poquito» la versión de los hechos. «Si no, pareces un loco, hablando de cosas increíbles, dice. En su literatura reconoce influencias de América latina, desde Gabo hasta Borges. Una entrevista de Silvina Friera para Página/12:

El guerrero africano espera que la ficción le murmure algo al oído. «Para tener paz hay que caminar silencios.» Este verso se le apareció hace muchos años, cuando la poesía llamó primero a su puerta y la oreja curiosa del joven recibió esa vibración inesperada. Antes de que Ndalu de Almeida naciera en la capital de Angola, en 1977, su madre lo llamaba Ondjaki, que en umbundu significa «guerrero». Después llegaría una educación exigente en la que los maestros cubanos tuvieron un rol fundamental; más tarde los primeros poemas, los relatos y las novelas, tantos murmullos y silencios caminados por el seudónimo maternal que eligió como destino literario. El autor de El silbador (Letranómada), obra maestra sobre un forastero del que poco y nada se sabe, sólo que llega a una iglesia de una pequeña aldea y silba unas melodías tan conmovedoras que no parecen de este mundo, recuerda la primera escena en la que está escribiendo en su Luanda natal. «Mi familia es muy teatral; nos contamos historias entre nosotros. Todo empieza con mi abuela, la madre de mi madre, que no escribe, pero tiene un modo de hablar muy literario. Yo aprendí muchísimo con ella. El primer cuento que escribí es sobre un primo al que le llevan un niño para que tome unas píldoras que no quería tomar. Como mi primo estaba molesto porque pasaba el tiempo, sacó una pistola y le apuntó: ‘Tú te tomas ahora las píldoras y no pasa nada’. Ese es uno de los primeros cuentos que escribí, lo que pasó esa madrugada: cómo un tipo saca una pistola para que un niño que tenía fiebre tome unas píldoras. La realidad es tan impactante que, si puedes, tienes que escribir. Y eso me pasó: sentí que tenía que escribir.»

Ndalu tenía entonces 13 años, le gustaba leer y escribía poesía «muy mala» mientras escuchaba a The Doors. Un año después, un tío le regaló dos libros: Cien años de soledad y La náusea. «Uno de los dos te va a gustar», pronosticó. El adolescente empezó con la novela de Gabriel García Márquez, pero no pudo terminarla. «Esto es una tontería, tantos nombres, tanta gente...», sentenció apresuradamente. Luego probó con la novela de Jean-Paul Sartre. Y le encantó. «Dos o tres años después no podía con Sartre, y estaba enamorado de García Márquez. Y por ahí me quedé. Yo soy más América latina que Sartre. Tengo muchas influencias de la literatura brasileña y de autores de Mozambique», revela Ondjaki a Página/12. Los padres del guerrero se conocieron en la década del ’70 cuando militaban en la resistencia. «A veces mi cabeza es una confusión –confiesa el escritor que a los 16 años rumbeó hacia Lisboa y hace más de cuatro años vive en Brasil–. Tengo muchas memorias que no son mías, que ocupan mucho espacio, que me pesan, ¿sabes? Tengo las memorias de mi abuela, las de mi madre, las de mi padre y las mías. Uno no puede tener tanto peso encima, ¿no? Quizá por eso escribo, para resolver un poco ese peso, aunque no sean cosas directamente relacionadas. La verdad y la realidad no me interesan. Lo que me interesa es lo que se puede hacer con la realidad en términos de literatura. En Luanda, la realidad es tan fuerte que tienes que reducir un poco la versión para escribir, si no, nadie te cree. La realidad en Angola es ultra ficción; entonces tú reduces un poquito y tienes una buena historia. Si no, pareces un loco, hablando de cosas increíbles. Si vas a Luanda, en una semana vas a ver que es mucho más intenso de lo que has leído. El luandés piensa que tiene la obligación de aumentar todo lo que cuenta. Si cuentas una cosa excomo pasó, me ofendes.»

¿De dónde viene esa teatralidad que aparece en El silbador?

No sé... Es el libro que entiendo menos; no sé por qué lo hice así. Era un cuento cortito sobre un hombre que llegaba a una aldea y descubría que la lluvia no hacía ruido. Como estaba muy triste y cansado, se ponía mejor. Y ya: el cuento terminaba ahí. Después de las dos primeras páginas, no sabía para dónde iba. Y empezaron a llegar los personajes. En El silbador estaba escribiendo las cosas que había imaginado como si fueran filmadas. Como si estuviera detrás de una cámara. Lo escribí en Lisboa muy rápidamente. No podía salir de ese mundo, pero cuando lo terminé no sabía lo que era. Y lo dejé ahí. Es un libro que tiene mucha influencia de América latina, de Macondo, de Rulfo, de Borges también, por esa cosa que se hace con las sensaciones. En Portugal me preguntaban: «¿A ti te parece que este libro es literatura de Angola?». Yo no soy policía de las fronteras de las identidades. No quiero ese trabajo. Aunque me paguen bien, no voy a trabajar en ese lugar. Y sí: fue un libro escrito por mí. Yo puedo escribir un libro que pase en Córdoba o en Tokio. ¿Es literatura de Angola? No sé qué es la literatura de Angola. ¿La que hacen los angoleños? Entonces sí, aunque no es el más típico.

En El silbador hay un narrador que no le teme a la emoción, que suele ser menospreciada. Quizá porque se asocia la emoción con lo cursi o lo vulgar. Sin embargo, en esta novela justamente parece que se buscara la emoción, ¿es así?

Sí, sobre todo hay un trabajo con la emoción y las sensaciones. Por eso cuando lo terminé de escribir no sabía explicarlo. El silbador es un libro sobre una sensación, sobre un descubrimiento interior que cada uno hace escuchando a ese silbador. Soy una persona que no sé lidiar muy bien con mis emociones... y quizá celebre de esta manera. El silbador es una celebración pura de la música. Y la música lo que causa son sensaciones, ¿no? Lo que me gusta de El silbador es que no se explica mucho. Lo escuchas y lo sientes. Se sabe más de los otros personajes que del silbador. Es una pequeña fotografía de una semana en una aldea. Yo quiero escribir sobre Dissoxi, me perturba esa mujer. Dissoxi significa «lágrima» en kimbundu. Tengo una idea de dónde vino el silbador, ha estado en una escuela muy rara para silbadores, una escuela metafísica. Pero voy a escribir cuando sepa bien qué hacer. No quiero que sea «El silbador parte dos, el regreso» (risas). Yo sé que el viajero, KeMunuMunu, está basado en una telenovela brasileña en la que había un tipo que tenía varias casas y una mujer en cada casa. El sepulturero, KoTimbalo, es una pasión literaria. No podría ser ese sepulturero que se queda esperando que alguien muera. Yo no soy así, pero me encanta que alguien sea así literariamente. Cuando escribí El silbador estaba muy triste y salió un poco la nostalgia, la melancolía. Los brasileños tienen una palabra muy bonita: le dicen tristesura; no existe esa palabra en portugués. El silbador es una historia con tristesura.

¿Por qué sentía tristeza en ese momento?

No sé. Estaba en Lisboa, estudiando Sociología. No entiendo nada de sociología. Terminé la carrera porque no tenía una mejor opción. En las clases escribía, parecía un estudiante muy atento tomando apuntes, pero estaba escribiendo ficción. La tristeza es un arma peligrosa: la puedes usar para escribir, pero no sabes a dónde te llevará. No se puede jugar con la tristeza.

Por el trabajo con la lengua y las palabras, por el ritmo, daría la impresión de que escuchaba música mientras escribía El silbador.

Sí, escribí todo El silbador escuchando una pieza de un compositor español, Jordi Savall; una pieza conocida que él ha grabado dentro de una iglesia con unos coros muy bonitos. Eso me inspiró; sería el equivalente a una cosa muy rara que se siente cuando se escucha una melodía sobrehumana. En Angola y en Mozambique no consideramos la palabra sagrada, en el sentido de que no se puede tocar. Al revés: pensamos que la palabra, las frases, la literatura, son algo como el barro que hay moldear con paciencia. Fernando Pessoa decía: «Mi patria es la lengua portuguesa». Pero el escritor de Mozambique, Mia Couto, ha dicho: «Mi patria es mi lengua portuguesa». Y eso me parece más cierto. Brasil tiene su lengua portuguesa, Angola y Cabo Verde también tienen sus lenguas portuguesas. Y además cada ciudadano puede tener su lengua portuguesa. Yo puedo hacer lo que quiera con las palabras. El silbador es el libro en que tengo las palabras más delicadas. El próximo que están traduciendo no tiene nada que ver.

Los transparentes, su última novela que transcurre en Luanda, se publicará en la Argentina el año que viene, también por Letranómada. «Los transparentes son la gente más real que existe y que las elites políticas no quieren mirar: los llaman cuando los necesitan, pero no los llaman siempre –plantea–. La gente se está poniendo cada vez más transparente desde el punto de vista de un político que la mira sólo cuando la necesita. Los transparentes son la mayoría del pueblo. Con esta novela se van a dar cuenta de que Ondjaki no es sólo El silbador.» Habrá que esperar hasta 2014 para leer más de este gran narrador angoleño que dice que está emergiendo una nueva generación de artistas africanos en la pintura y en la música con aspectos «profundamente africanos y profundamente modernos». «No hay que rechazar la modernidad –agrega–. Estos artistas son gente que viaja mucho; les gusta el tecno, el rock, pero también los ritmos tradicionales africanos. Y los mezclan y hacen el nuevo continente africano.»

¿Cómo es su lengua portuguesa?

Mi lengua está hecha de materiales orales, sobre todo de Luanda, de cómo habla la gente. Yo pongo mucho de eso en mis libros, no para hacer un estilo. No es eso. Hay historias que pasan en Luanda con determinados personajes, que no son los de El silbador, que no puedo ponerlos de otra manera sino como hablan. Para ser realista hay que ser realista, si no, hago otra cosa. Mi lengua es una lengua de afectos. Me gusta acordarme y pensar cómo habla mi abuela, qué palabras usa. Y las pongo en los libros. Y que los traductores me pregunten. Mi abuela, que tiene 98 y toma más que nosotros dos juntos, come bien y bebe bien, tiene muchos códigos familiares. La palabra es de barro, las ideas son de barro, la literatura es de barro. La literatura no es más que un sueño que tú les das a los otros. Muchas veces no pasa nada: no hay contacto químico entre el libro y el lector. Si hay contacto, es una experiencia maravillosa. Si sabes leer, lo pasas mejor que con las drogas. Depende de la droga (risas).

Agnette –de padre holandés y madre angoleña– es la abuela de Ondjaki. Cada vez que la menciona, el brillo de su mirada silabea el inconmensurable amor que siente por esa anciana teatral y memoriosa. «Ella es la fundadora de las historias de mi familia. Una vez me contó que en un barrio de Luanda, cuando las mujeres que tenían nombres de flores se casaban, por ejemplo una señora llamada Rosa, todos se organizaban y ponían rosas. Cuando se lo comenté a mi madre, me dijo que eso nunca pasó: ‘Es una tontería’. No me gusta la gente que rechaza la ficción de la vida. No hablé más con mi madre sobre el tema porque me parece bien que cuando una persona que se llama Rosa se casa, todo el barrio se llene de rosas. ¿Por qué no?» En ese partido imaginario gana por goleada la abuela, esa hechicera de la palabra que dan ganas de conocer ya mismo. ¿Podrá convencerla de que venga con él en una próxima visita al país? «Tengo la creencia de que voy a morir con la misma edad que avó (abuela) Agnette. Entonces estoy descansadito, porque ella tiene 98. Y yo tengo 35, pero cumplo 36 el 29 de noviembre. Eres la única que lo sabe, no pongas eso...»

¿Por qué?

Me gusta tener cuatro fiestas de cumpleaños. Lo festejo el 17 de enero, el 17 de agosto, el 23 o el 26 de septiembre y el 29 de noviembre.

Mucho festejo, pero pronto superará los 98 años a ese trote...

No, no, sólo uno es verdadero (risas).



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Obituario / Juan García de Oteyza

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En fechas recientes preparaba un libro sobre el fotógrafo francés Bernard Plossu. (Foto: Carlos Ramos Mamahua)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 27 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- El editor, promotor cultural y diplomático Juan García de Oteyza (México, DF, 1962) falleció ayer de manera repentina. En fechas recientes, García de Oteyza trabajaba como editor independiente y preparaba un libro para la Fundación Televisa sobre el fotógrafo francés Bernard Plossu, quien estuvo en México en los años 60 del siglo pasado. Una nota de Merry MacMasters y Daniel González para La Jornada:

Hijo del escritor y crítico de arte Juan García Ponce (1932-2003) y de Mercedes de Oteyza, empezó su carrera en la industria editorial en 1980 y llegó a ser director de la Editorial Turner, en Madrid, en 2000-2004, y posteriormente en la ciudad de México, de 2004 a 2007.

Durante su estancia en Turner se publicaron más de un centenar de libros ilustrados y catálogos de museos, como Manuel Álvarez Bravo: cien años, cien días, Frida Kahlo: retratos de un ícono y Ricas y famosas, de Daniel Rossell.

García de Oteyza dejó la editorial para asumir el cargo como agregado cultural en la embajada de México en Washington, al que renunció en 2008 para, en agosto, hacerse cargo de la dirección ejecutiva de la Fundación Aperture en Nueva York.

En su momento, la fundación dijo en un comunicado que desde la llegada de García de Oteyza a Washington, en marzo de 2007, había sido responsable de implementar la política cultural de México hacia Estados Unidos, a la vez que ayudó a recaudar fondos para financiar el programa artístico y cultural México en el Smithsonian, en el prestigiado museo de Washington DC.

Celso González-Falla, presidente de la fundación, dijo a su vez: «Somos afortunados en contar con la experiencia de alguien como Juan para dirigir los programas de Aperture para promover y aumentar el público para la fotografía.»

En abril de 2009, la fundación suscribió un convenio de cooperación con Incubadora Cultural, novel empresa de gestión artística, cuyo propósito era promover en México, de manera exclusiva, sus programas consistentes en edición de libros, una revista y el montaje de exposiciones. En entrevista (La Jornada, 9-IV-09), García de Oteyza explicó que era la primera vez que la Fundación Aperture firmaba un convenio con una instancia de otro país.

«Cuando llegué a la dirección de Aperture, uno de los primeros encargos que tuve fue aumentar sus presencia internacional. Decidí que la forma de lograrlo era mediante la formalización de alianzas locales en naciones donde ya hubiera una tradición de trabajo.»

«Aperture –prosiguió– ha publicado a muchos autores mexicanos como Manuel Álvarez Bravo, Graciela Iturbide, Lola Álvarez Bravo y Antonio Turok, así como un libro sobre la violencia en Ciudad Juárez, con un texto de Elena Poniatowska, y otro sobre el Archivo Casasola, y se ha interesado mucho por la problemática social y política de México.

«Como ya había esa tradición, además de que soy mexicano, decidí que el primer país con el que entablaríamos ese tipo de relación sería México. La intención es firmar acuerdos similares con por lo menos cinco naciones más, aunque todavía no están definidas del todo.»

Aperture fue fundada en 1952 por los fotógrafos Ansel Adams, Dorothea Lange, Barbara Morgan y Minor White, el historiador Beaumont Newhall y la escritora y curadora Nancy Newhall. Poco después se creó la revista del mismo nombre.

Su paso por Nueva York

En 1985, García de Oteyza fundó en Nueva York su propia editorial, Eridanos Press, dedicada a editar literatura contemporánea en inglés. En 1988, Eridanos recibió el Premio Carey Thomas para la Edición Creativa, ya que puso en las manos del público estadunidense autores como Robert Musel, Alberto Savinio, Virgilio Piñera y Ernst Jünger.

También trabajó en la Editorial Promexa, en la ciudad de México; en Accolade Books y Marsillo Publishers, en Nueva York, y en David R. Godine, en Boston. Director ejecutivo del Instituto Cultural d México en Nueva York (1996-2000), trabajó de cerca con el Museo de Arte Moderno para presentar la primera retrospectiva de Manuel Álvarez Bravo, y organizó un tributo al poeta y premio Nobel Octavio Paz en el Museo Metropolitano de Arte, con la participación de artistas y escritores como Susan Sontag, Robert Rauschenberg, Eliot Weinberger y Dore Ashton, entre otros.

Su cuerpo es velado en la funeraria J. García López de San Jerónimo, y hoy llegarán sus familiares cercanos a acompañarlo en el último adiós.



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Literatura / Argentina: Juan Gelman presentó su último poemario

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Gelman leyó durante más de media hora. No volaba una mosca en la sala Borges de la BN. (Foto: Página/12)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 27 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- El poeta leyó fragmentos de Hoy, acompañado por Jorge Boccanera y Daniel Freidemberg. «La conciencia de lo que se escribe es muy difícil de apresar», señaló Gelman, quien recibió el cariño y la admiración del público que colmó la sala Borges. Una nota de Silvina Friera para Página/12:

La lengua de Juan Gelman fue la llama que encendió la temperatura. No fue la noche más fría del año. La sensación térmica empezó a cambiar cuando el poeta entró a la sala Borges de la Biblioteca Nacional. El público se puso de pie y aplaudió. La emoción iba y venía, de la platea al escenario. Y viceversa. «Esta reunión va a marcar una noche fundamental de nuestras vidas», pronosticó Horacio González, antes de que los poetas Jorge Boccanera y Daniel Freidemberg presentaran Hoy (Seix Barral), 288 poemas en prosa que transitan el camino del duelo por la desaparición y asesinato de su hijo Marcelo, pero también dan cuenta del abismo insondable del mal en el mundo. «La verdad es que no sé qué decir. Los libros se suelen escribir solos. La conciencia de lo que se escribe es muy difícil de apresar. A veces escribía siete, ocho poemas a la noche, me iba a dormir, me levantaba y no recordaba ninguno de los textos escritos. Tenía que volver a leerlos para saber de qué se trataban», comentó Gelman.

«La poesía de Gelman no deja de sorprendernos por la libertad con que trabaja, por su ejercicio de transfiguraciones de todo con todo, por las imágenes que resuenan sobre un entramado de ideas», planteó Boccanera, quien advirtió que el modo singular de enlazar la perplejidad y la certidumbre «lo ha convertido en un maestro a nivel continental». El último libro del poeta es «una muestra acabada, en pulidas joyas diminutas, de sus viajes posibles hacia el ‘uno’ y los otros». Esa poesía –agregó Boccanera– ha ido virando «de una oralidad expansiva a textos concisos, de suma condensación de sentido». La textura de los poemas de Hoy «deviene de un amplio catálogo de registros expresivos orquestados al modo gelmaniano: el repliegue místico, la sequedad del silogismo, y un modo de conducir la digresión por paisajes del sueño». También mencionó los temas recurrentes que atraviesan la obra del Premio Cervantes de Literatura 2007: la infancia de las cosas, el amor, la revolución, la memoria, la espesura del vacío, el exilio, la indagación de sí mismo y la poesía.

En esa suma de «momentos pasados, presentes y por venir», Gelman va más allá de lo meramente temporal: «es un ‘hoy’ hecho de ‘ahoras’, es un ‘hoy’ vuelto un soy». Boccanera detectó una vuelta de tuerca a la frase que Hamlet le dirige a Ofelia –«ser o no ser, ésa es la cuestión»– para ensanchar el campo semántico y transformarla en «ser o no ser es ser no ser». Gelman cabeceó y asintió, acaso asombrado por el hallazgo. «Este ‘hoy’ está hecho de cavilaciones que nos interpelan y advierten: ‘la dignidad canta músicas flacas’, ‘hay que barrer el mundo en sucio estado/otra vez ponen huevos de serpiente’, en referencia a un poder global que reconfigura los modos de disciplinar, de modelar imaginarios y subjetividades. Gelman habla de ‘la progresión de la crueldad’, apuntando a la pretensión de recordar la rebeldía del hombre y convertirlo en un ser obediente al desastre, carne de autoritarismos», analizó Boccanera. «Estamos frente a una de las propuestas poéticas más originales, intensas, reveladoras y cuestionadoras de los últimos tiempos. Una especie de ‘Guernica’ hablado que, aun frente a los reveses, respira deseo, que es la medida de la vida.»

«¡Qué decir frente a todo lo que significa este señor que tengo al lado!», dijo Freidemberg en el filo de la emoción y admiración. La mejor manera que encontró para hablar del libro fue el final de Hoy. El último poema empieza con una letra y la apertura de un signo de interrogación: «¿Y», sin el signo de cierre. «¿Cómo ‘¿y’? ¿Qué pasó con todo lo que estaba escrito antes? –se preguntó Freidemberg–. Después hay una serie de interrogaciones: ‘si la poesía fuera un olvido del perro que te mordió la sangre’, y sigue con distintas cosas. ¿Se está desdiciendo el libro después de todo lo que dijo? A lo mejor volver sobre sus pasos es la única manera de que esos pasos existan.» Freidemberg continuó desmenuzando ese poema y citó el cierre: «¿Y si fuera lo que es en cualquier parte y nunca avisa? ¿Y si fuera?». «A lo mejor lo que nos está proponiendo es que la poesía no es. A lo mejor para poder pensar la poesía, tendríamos que pensar ‘si fuera’. Que tiene que dejar de ser para empezar a ser. Que no puede existir poesía que primero no deje de ser; que en cuanto existió dejó de ser y la ponemos en marcha en el acto de la escritura, en el acto de la escritura. Algo se abre. Al fin y al cabo, si la poesía para ser tiene que dejar de ser, el libro termina abriendo un espacio donde se continúa de otra manera. Se continúa en silencio, como una especie de reverberación.» Como páginas abiertas a las heridas de este tiempo, añadió que el mundo del último poemario de Gelman es «un mundo en el que se cayeron todas las explicaciones» y «no hay nada que pueda ser explicado». «Solamente queda la palabra poética lanzada a su manera, con sus propios derechos, sin pedir permiso.»

«Despasión», según entiende Freidemberg, es una de las tantas palabras inventadas por Gelman. «Tal vez no sean tiempos para la pasión, pero no son tiempos para la indiferencia.» El poeta leyó durante más de media hora. No volaba una mosca en la sala. Todos mudos ante versos que se pegan en los labios de la memoria: «La tierra pule huesos que el tiempo roba sin retorno». Luego llegó la ovación del público y la despedida de Juan: «Gracias por estar aquí y sobre todo por aguantarme».



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Obituario / Julie Harris

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La actriz ganó cinco premios Tony y otro más de honor. (Foto: Jack Robinson)

Ciudad Juárez, Chihuahua. 27 de agosto de 2013. (RanchoNEWS).- La intérprete más premiada de la historia de Broadway. La primera dama del teatro estadounidense. Una de las grandes actrices del siglo XX. Los titulares que anunciaron el sábado en la prensa estadounidense el fallecimiento de Julie Harris a los 87 años de un infarto dejaban muy clara su importancia: desaparecía uno de esos mitos poco conocidos por el gran público pero que han marcado el entretenimiento en su país durante medio siglo. Una nota de Gregorio Belinchón para El País:

Porque Harris hizo mucho y buen teatro —y por ello tiene el récord de diez selecciones a los Tony, ganando cinco y llevándose otro de honor—, pero también televisión: fue 11 veces candidata al Emmy —lo obtuvo en tres ocasiones—. Y cine: encarnó a Abra, la adolescente dubitativa en el amor de Al este del Edén, junto a James Dean, y fue candidata al Oscar como protagonista por su creación de Frankie, un chicazo de 12 años —que interpretó teniendo ella justo el doble de edad en teatro y con dos años más encima en la pantalla— al que dio vida en The member of the wedding, la versión al cine de Fred Zinnemann que adaptaba la obra de teatro homónima que a su vez se basaba en la novela de Carson McCullers Frankie y la boda. También encarnó a Sally Bowles en Soy una cámara, personaje que heredó Liza Minnelli en Cabaret, y apareció en películas como Harper, investigador privado; Reflejos en un ojo dorado—otra adaptación de un novela de McCullers—, Ya eres un gran chico, La casa encantada, Gorilas en la niebla, Réquiem por un campeón, El viaje de los malditos, La campana de cristal, Esposa por sorpresa, y ya en este siglo The golden boys y The lightkeepers.

Nacida el 2 de diciembre de 1925 en Grosse Pointe Park (Michigan), un suburbio de Detroit, hija de un financiero apasionado por la zoología, Julie Harris tuvo desde el instituto —época en la que veía mucho cine— muy clara su vocación: «Actuar es mi vida», decía en sus entrevistas, decisión que desilusionó a su madre.

Estudió teatro en diversas academias y cursó un año en la Escuela de Drama de Yale, momento en que empezó a trabajar en compañías de Broadway. Su secreto estaba en su ductilidad, en que, como decía el director y crítico Harold Clurman, «estaba completamente diseñada para ser un buen instrumento en el escenario».

Nunca buscó el aplauso fácil, y tal vez por ello de las más de 30 obras que interpretó en Broadway solo seis superaron los seis meses en cartelera. Su primer Tony le llegó con The member of the wedding, que le abrió al camino al cine.

En el escenario encarnó a Julieta en Romeo y Julieta, a Ofelia de Hamlet, a Blanche DuBois en Un tranvía llamado deseo, a la Eliza Doolittle en Pygmalion, a Nora en Casa de muñecas, o a la señora Daisy de Paseando a miss Daisy. También encarnó a personajes basados en personas reales como Emily Dickinson, Mary Todd Lincoln, Charlottë Bronte, Isak Dinesen, Florence Nightingale, Nora Joyce, Juana de Arco o la reina Victoria: de sus cinco Tony, tres fueron por personajes históricos. Harris trabajó junto a los más grandes intérpretes masculinos, y nunca se le resistió un papel.



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